摄影艺术是对作品在基于人的感觉世界进行的评价，其评价的结论通常是“美”“丑”“激烈”“宁静”等感觉形容词。
摄影技术是对获得作品的手段准确程度、多样程度以及运用是否准确的方式方法的评价，其评价结论通常为“生疏”“熟悉”“熟练”“运用自如”等客观评价。
摄影技术是摄影艺术的基础和手段，是获得摄影艺术效果的方式和途径。摄影艺术是摄影技术的目的和方向，是运用各种摄影技术所要达到的效果和终点。有艺术的意识而无技术的支持，或者有技术的积累但无艺术的感知，都无法获得令人满意的作品。如何理解摄影技术和摄影艺术？？
这问题太专业，我瞎说一下吧：技术是指专业的，有技巧的，用特殊的手法来制造一些事物。
艺术是指美的东西吧，让人看起来挺美好的，可以随心所定的，艺术不是统一的，是看个人所爱的。
简单说：技术是刻意的东西，如果刻苦的话很多人会做到。
艺术：是自己创造的东西，我想如果没有感觉，怎么努力刻苦都无法称得上是艺术。
简析：摄影是艺术还是技术
摄影是技术与艺术的完美结合。
现代社会正在不断的发展，人们的审美能力和要求也在日益提高，现在视觉影像正在覆盖社会的每个角落，而作为视觉影像的重要手段，摄影术也在迅速的发展，它在社会生活和发展中发挥着很大的作用。摄影是技术与艺术的完美结合，其作为一门造型艺术，它是现代生活中不可或缺，且又是富有魅力和潜力的艺术形式，作为一门实用技术，它被广泛的应用于现代生活的各个领域，如科学实验，新闻报到，太空探险等各个方面。摄影术自发明以来得到了迅速的发展，其中比较重要的一个原因就是摄影家不断的接受现代的意识，在技术与艺术相结合的基础上进行研究创新，研究清楚摄影技术和艺术之间的关系，更加有利于摄影术的发展，所以研究摄影技术与艺术的关系具有一定的理论意义和实际意义。
1 摄影技术与艺术的发展
（1）摄影技术产生与发展。“摄影，简单的来说，就是摄影师运用照相机作为基本工具，根据创作构思将人物或景物拍摄下来，再经过暗房工艺处理，塑造出可视的艺术形象，用来反映社会生活与自然现象，并表达作者思想感情的一种艺术样式。”[1]对于摄影技术的发展大体可以分为四个阶段，第一阶段：早期（1825～1839），这一时期主要是摄影技术的孕育期，达盖尔在1839年发明了银版摄影术；第二阶段：发展时期（1840～1936），这一时期感光材料迅速发展，出现了彩色摄影；第三阶段：成熟期（1937～1959），这一时期照相机，辅助工具等摄影器材快速的发展起来；第四阶段：现代（1960～至今），这一时期摄影进入了数码时代。
摄影技术的发展经过了从黑白摄影到彩色摄影，从胶片摄影到数码摄影的变迁，但人们在摄影术研究过程中一直没有一个稳定的图像留下来。直到1826年，法国人约瑟夫・尼瑟福・尼埃普斯透过他家的窗口拍摄了一张叫做《窗子里看到的光景》的照片，这张照片用了8小时的时间曝光，被称为日光蚀刻法，这是世界上第一张永久性的画面。此后到“1839年8月19日，路易・雅克・芒特・达盖尔在法兰西学院公布了他的发明，一般来说摄影史以达盖尔公布发明的1839年为摄影术发明之年。”[2]这是第一个具有实用价值的摄影方法，也就是银版摄影法。随后出现了卡罗摄影法，玻璃干板法，胶棉湿版法，安布罗摄影法，铁板摄影法等摄影技术。但是摄影术发明之后人们对它的研究探索还停留在黑白摄影上，直到1861年，英国人詹姆斯・克拉克・马克斯韦尔通过加上红、绿、蓝三片滤色镜拍摄了一条方格巾，奠定了彩色摄影的基础。随后随着加色法与减色法的出现，彩色摄影也迅速的发展起来。到1942年，出现柯达彩色负片，才使得彩色摄影真正走向了大众。随着技术的发展，各种辅助工具也相继的出现，像三脚架，快门线，测光表，闪光灯等等。从20世纪90年代起，随着数字时代的到来和发展，摄影技术进入了一个新的时代，实现了“所见即所得”的理想，出现了数码相机，相机也从手动开始走向自动，还有许多的后期制作软件也陆续的出现。所以聚焦、曝光、景深、用光、构图等技术层面的要求也越来越高，摄影技术的发展也会越来越迅速。
（2）摄影艺术形成与发展。对于摄影艺术简单的来说就是光与影的艺术，是指运用照相机以及三脚架等辅助工具和一些技术手段拍摄出具有审美价值的照片。它具有造型性、直观性、再现性、表现性、瞬间性、永固性等特征。一般的来说摄影艺术的发展经历了五个阶段，“第一阶段：孕育期（1825～1839），摄影术的探索时期，达盖尔发明了银版摄影法：第二阶段：早期（1840～1889），摄影术发明后对摄影术本体的探索时期，该时期主要是绘画主义发展迅速；第三阶段：近代（1890～1917），摄影艺术的成熟时期，各种摄影艺术流派逐渐的出现；第四阶段：现代（1918～1959），摄影艺术中现代主义摄影艺术思潮处于主流时期；第五阶段：当代（1960～至今），艺术摄影进入后现代主义时期。”
摄影术自发明以来，基本上用在新闻摄影上，也就是实用的领域，大多数的人认为摄影不属于艺术的范畴。直到20世纪初画意摄影的出现，它主要是追求作品的意境和形式，其代表者为奥斯卡・古斯塔夫・雷兰德和亨利・佩奇・罗宾逊。此后各个流派逐渐的发展起来，比如出现了纪实摄影。1899年，在英国举办了法国印象派绘画的首次展览，由于它的影响，随后出现了印象派摄影。同年摄影家彼得・亨利・爱默生发表了一篇题为《自然主义摄影》的论文，此后自然主义摄影发展起来。“由于艾尔弗雷德・施蒂格利茨长达半个多世纪的摄影创作实践、美学探索以及坚持不懈的组织推介，一种截然不同与前一个世纪的崭新的摄影观念现代摄影观念，终于在20世纪20年代脱颖而出。”[4]包括即时摄影，纯粹主义摄影，另外还出现了抽象摄影，达达主义摄影等流派。不仅如此，摄影种类也在发展，出现了各种分类，如广告摄影、人物摄影、风景摄影等等。以及在摄影构图，摄影用光还有色彩的运用等方面的发展，例如画幅与虚实，前景与背景，色调、线条、光与色彩的表现，还有造型效果这些方面的变化，这些方面的发展使得摄影的艺术气息更加的浓厚，使得摄影逐渐变成了一门技术与艺术相结合的学科。
2 摄影技术与艺术的关系
（1）摄影技术与艺术之间的联系。摄影术发明以来都是在技术方面得到迅速的发展，直到19世纪中期艺术摄影的出现，摄影术才逐渐向艺术靠拢。它从发明以来是作为一种技术而存在的，当时的摄影家只是把摄影当作记录事件，景物等的一种方法，随着摄影技术的发展，人们不再满足摄影仅仅只是记录的手段，认为摄影应当和绘画一样应该具有艺术性，是一种艺术。“所以新技术的产生引发了的争议：一派认为艺术必须要有艺术家个人独特的观察、创意与表现，而摄影不过是机械的复制摹仿，缺乏艺术审美价值，不具备跻身于艺术殿堂的任何资格；另一派则认为摄影与其他艺术一样具有创造性、审美性，因而应该是一门艺术。”[5]然后从19世纪开始，摄影者们开始了证明摄影也是一门艺术的漫长艰苦的研究过程。19世纪中期，艺术摄影开始出现，一些欧洲的摄影者希望通过模仿绘画，来证明摄影也是艺术，但是很多年之后，艺术家们不但没有肯定摄影的地位，摄影反而因为刻意模仿绘画而限制了自身所具有的表现力。随后画意摄影出现，但是画意摄影证明摄影是艺术的方式和艺术摄影一样陷入了困境。“二十世纪之后，画意摄影方兴未艾之时，以美国人斯蒂格利茨为代表的摄影家，已经开始对摄影的本质进行反思，并展开与画意摄影的美学原则背道而驰的实验。最终使得纯粹摄影终于自成一格，在艺术史里有了一个摄影的分类，确立了摄影的艺术地位。”[5]摄影家们开始认识摄影的本质特征以及自身的价值，并且更加的注重摄影艺术的发展，从艺术的角度来发展摄影，摄影逐渐成为了一门技术与艺术相结合的门类。 （2）摄影技术与艺术之间的相互作用。摄影的发展是技术与艺术共同发展的结果，一般来说只有技术发展了，艺术才能发展，而艺术的发展又继续促进着技术的发展。对于摄影来说，它与我们的生活有很大的联系，不管是在技术方面还是艺术的方面，它的发展都需要我们投入真实的感情。摄影不仅是一种表现，还是一种创造，简单的来说，摄影可以真实的再现周围环境，生活情况，这需要技术上的发展慢慢提高，它也可以在再现的基础上进行创造，成为一副艺术作品。在技术发展到一定程度的时候，就有了发展艺术的需要，艺术发展了，也会在一定程度上推动技术的发展。
在整个摄影术的发展过程中，技术与艺术是相辅相成的。举例来说，首先，摄影中最重要的元素是色彩和光线，在黑白摄影阶段，主要是利用光线和影调来表达摄影的艺术，在彩色摄影发明之后，摄影者面对丰富多彩的大自然，他们发现了大自然中美的存在，一些摄影者通过色彩，光线等等来表现大自然的美，于是就有了风光摄影。这样不单单只是普通的复制了，它从艺术的角度表现出自然之美，因而使摄影作品更加的赏心悦目。随着人们对自然美的认识和了解，一些摄影者对风光摄影的兴趣越来越大，于是就能更加熟练的对光线，色彩等加以运用，因而又促进了技术的发展。其次，就是我们现在对虚实关系的运用，在摄影技术发展的阶段，我们拍照就是一般的照相，后来人们发现，在光线不足的情况下拍摄会造成画面的模糊，一开始人们把这些当成废片处理，但是后来摄影者们结合对绘画的模仿，认为适当的虚化，虚实结合也可以增加画面的艺术感，也就有了从照相到造像再到虚像的这个过程。针对这一点，为了更好的表现虚实的关系，相机的光圈，调焦等功能也相应的发展了起来，又带动了技术的发展。所以摄影的技术与艺术之间的相互作用是摄影的发展必不可少的，通过它们的相互作用，共同促进摄影的发展。
3 结语
本文主要是从摄影技术与艺术的发展角度来论述它们之间的关系，摄影技术可以通过镜头直观的表现自己想要表达的事情，人或物和思想感情。摄影艺术又是更高的一个层面，要想把摄影作品变成艺术，就应该投入自己的感情，以情动人，这是摄影艺术最大的一个特点，且艺术创作具有主体性，“摄影者在进行审美创造和艺术加工被摄对象时，总是自觉或不自觉的渗透进自己的创作态度与审美情绪，其创作思维与审美情趣直接影响和支配整个艺术创作的过程。”[6]只有投入了自己的感情，才能使作品也富有感情。摄影从一开始就融入到了社会生活中，在人们的生活中起着重要的作用，它的发展也离不开社会生活。摄影能快速的发展最重要的一个原因是因为它是技术与艺术的结合，也是理论与实践的结合，摄影技术的发展推动摄影艺术的发展，反过来艺术的发展又反哺技术。如今随着各种拍摄工具普及化，摄影已经走入了人们生活的每个角落，拍摄已经成为一种人人皆知的手段。所以摄影术将在技术与艺术的结合下更加迅速的发展。
谈谈你对摄影艺术的理解
造型艺术的一种。以照相机和感光材料为工具，运用画面构图、光线、影调（或色调）等造型手段来表现主题并求得其艺术形象。拍摄者使用照相机反映社会生活和自然现象，表达思想感情。根据艺术创作构思，运用摄影造型技巧，经过暗房制作的工艺程序，制成有艺术感染力的照片。就概念而言，根据中文中心词后缀的惯例，“摄影艺术”可通俗理解为：摄影的艺术，广义上包括一切与摄影有关的艺术活动；狭义上特指可以作为一个艺术品种存在的那一部分摄影，是《辞海》所说的“造型艺术的一种”。
摄影从手机开始：04浅谈摄影艺术
摄影从手机开始-目录
1. 手机是最好的摄影入门工具
2. 手机和单反相机摄影的区别
3. 什么是好照片
4. 浅谈摄影艺术
5. 影响手机照片的关键因素
6. 曝光基础理论
7. 理解摄影构图
8. 掌握人像摄影构图
9.风光构图实战
要学习摄影，首先要回答一个问题，什么是摄影？什么是摄影艺术？摄影是光与影的结合，是光的绘画，是技术和视觉观察力的结合，是技术与艺术的结合。摄影是有意识、有思想、经过思考和提炼的艺术作品。
百度百科上面对摄影的解释是，摄影一词来源于希腊语，是“以光线绘图”。摄影是指使用某种专门设备进行影像记录的过程，也就是通过物体所发射或反射的光线使感光介质曝光的过程。这个定义一定是一个理工男总结的，因为他从科技的角度解释了摄影的技术原理，而忽略了摄影作品的内容的艺术特点。
摄影艺术是瞬间的艺术、视觉的艺术。摄影艺术是一门科学技术和艺术相结合的现代造型艺术，它是摄影者使用照相机作为创作工具，根据创作构思，运用摄影技术和技巧，按照摄影艺术的审美规律和特点，把人物或景物拍摄下来，再经过后期的暗房或软件处理，塑造出可视的艺术形象，反映人类社会生活和自然现象，表达作者的情绪、情感、思想的一种视觉艺术样式，也是艺术家对社会生活进行提炼、加工、改造的生活原生态艺术化的再现过程。
摄影艺术表现现实生活中的形象，具有直接、真实、具体、生动、鲜明的特征，使人从摄影作品中得到认识和感染，这是摄影艺术的特长和优势。摄影艺术主要有以下几个美学特征：
纪实性是摄影艺术独特的本质特性，是它区别于造型艺术其他门类而独立的基础。书法、绘画、雕塑、建筑等艺术形式都无法做到在短时间内记录人物或景物，只有摄影才能做到。生活中我们接触到的大量摄影作品，都是以纪实性为主要特点的。
一张黑白照片，片中一位小姑娘手拿铅笔，睁着一对大眼睛望着前方……这张名为《我要读书》的照片，推动了希望工程的发展，改变了数百万贫困家庭孩子的命运。
世间万物都是在不断发展变化、运动中，摄影艺术只能拍摄事物发展运动过程中的一个片段、一个细节、一个刹那。现实生活丰富多彩，瞬息万变，许多珍贵的瞬间是可遇而不可求的，机会稍纵即逝，所以创作的机遇显得十分重要。一副作品是否成功，瞬间的发现和抓取，起决定性的作用。
“现代新闻摄影之父”法国亨利·卡蒂埃-布列松创立了决定性瞬间理论。特指通过抓拍手段，在极短暂的几分之一秒的瞬间中，将具有决定性意义的事物加以概括，并用强有力的视觉构图表达出来。“在摄影中，最小的事物可以成为伟大的主题” 。布列松提出了摄影史上最著名的“决定性瞬间”观点。他认为，世界凡事都有其决定性瞬间，他以决定性瞬间的摄影风格捕捉平凡人生的瞬间，用极短的时间抓住事物的表象和内涵，并使其成为永恒。
布列松在梦露不经意间抓拍了这张照片，从这一凝固的瞬间里，人们看到了梦露的天生丽质和娴雅风度。
这张照片是布列松抓拍艺术中代表性名作。在前景中跳跃的男子，其身影恰好跟背后招贴广告中跳跃女郎相似，一前一后，互相呼应，相映成趣。这个拍摄瞬间，也就是布列松心目中的“决定性的瞬间” 。
《男孩》(1958)是布列松的一幅脍炙人口的名作。一个男孩的两只手里，各抱一个大酒瓶，踌躇满志地走回家，好像完成了一个光荣而艰巨的任务。照片中的人物，情绪十分自然真实。
摄影艺术在自己的发展过程中从其他造型艺术中得到借鉴，逐步形成自己独特的造型形式和典型化的方法。摄影家把自己的艺术构思，用高度的摄影造型技巧所摄的的形象，经过一系列暗房制作（胶片摄影时期）或数码后期处理（数码摄影时期）的工艺程序，所制成的画面（照片）称为“摄影艺术作品”。
构图、光线、影调（色调），为摄影艺术三种主要造型手段。它们赋予人们以丰富的形式感，有空间感、立体感、质感、运动感、节奏感等等。
构图是摄影成败的第一步，是为了表现照片的主题思想，对画面上的人或物及其陪体、环境的安排，最终达到主题突出的目的。构图的常见方法有九宫格构图、水平线构图、框式构图、斜线构图、曲线构图、三分法构图等等。
九宫格构图用三条线把画面平均分成9块，中心块上的四个点就是画面的黄金分割点，用来安排被摄主体都会让画面更完美。
水平线构图。水平横线象征着宁静、宽广与博大，在画面中能产生同样的感觉。海平面和地平线都是比较明显的水平线。
框式构图是利用前景中的物体将被摄主体框起来，既可以赋予照片纵深感，又有利于突出主体。
斜线构图能够表现动感、力量和方向，通常具有极强的动感，还能让画面有对称感。
曲线构图通常表现为优美、浪漫、优雅和变化，观赏者的眼睛很容易被这种线条所吸引而产生没的共鸣。在人体摄影和具有曲线特征的景物摄影时非常适用。
三分法构图是指把画面横向或竖向平分为三份，被摄主体位于三分线上，具有构图简练的优点。
光影是摄影的灵魂。无论是自然光还是人造光，掌握它们的特性是控制光线的必修课。光主要有四个特性：色温、方向、品质、反差。
色温主要来区分光源的颜色。晴朗无云的天空，在没有太阳直射光的情况下，标准日光大约在5200~5500K，白炽灯的光色是暖白色，其色温表示为2700K，而日光色荧光灯的色温表示方法则是6000K。
利用自然光进行拍摄时，由于不同时间段光线的色温并不相同，因此拍摄出来的照片色彩也并不相同。例如，在晴朗的蓝天下拍摄时，由于光线的色温较高，因此照片偏冷色调；而如果在黄昏时拍摄时，由于光线的色温较低，因此照片偏暖色调。利用人工光线进行拍摄时，也会出现光源类型不同，拍摄出来的照片色调不同的情况。
光的方向。根据光线与被摄物体的位置，光的方向可以分为顺光、逆光、斜光、半逆光、顶光、底光等等。只有在理解和熟悉的基础上，才能巧妙精确地运用这些光线位置。
1.顺光：光线的照射方向与照相机的拍摄方向一致。景物的色彩饱和度很好，画面通透、颜色亮丽。但缺乏立体感和塑形感，可以利用不同景深对画面进行虚实处理，凸显主体景物的层次感。
2.逆光：光线的照射方向与照相机的拍摄方向相反。景物的边缘有明显的光线轮廓，画面有明显的明暗反差，从而产生剪影效果。但被摄主体会因为曝光不足而失去细节。拍摄时尽量使用镜头遮光罩或是遮光板以防止镜头进光。
3.斜光：光线的照射方向与照相机的拍摄方向成45度的夹角关系。斜光是风光摄影中运用较多的一种光线，受光面构成明亮部分，背光面形成阴影部门，这种光线非常适合表现景物的层次感和立体感。
光的品质。取决于光源的大小和拍摄物体的距离。一个小的点光源拍摄物体的背后投射边缘清晰的阴影，大面积的发光体投射的阴影较为柔和，当它被移动到离拍摄对象足够远的时候，就变成一个点光源了。根据这个特性，光可以分为硬光和软光。
不同的光质有不同的物理特性，而这些特性也赋予了光线以情绪。硬光增大了背光面与受光面两者的反差，有很强的明暗对比，突出被拍主题的轮廓。硬光的光线更加集中、过渡快速，对比强烈，适合强势的画面，适合表现男性的力量和强壮；软光光线比较柔和，被摄主题没有明显的受光面，背光面和投影，软光的画面比较细腻，适合表现女性的柔美。
光的反差又称为对比。一般指摄影中，被摄场景的暗部和亮部的受光比例。在摄影中是画面的明暗反差。反差大则画面视觉张力强；反差小则柔和平缓。很多摄影人所说的硬调即是高反差，软调即低反差。
风光摄影的光比控制只能等待时间或等待天气，调整拍摄角度或者通过渐变滤镜来改变光比大小。而在人像摄影中光比的控制多采取人工干预。户外人像摄影，可通过反光板缩小光比，也可通过吸光板（黑色）增大光比。
影调，是指一张照片的明暗程度，照片明亮，浅色的部分多就是高调；照片整体深色，暗的部分多的照片就是低调。 不亮不暗的正常的照片为中间调 。
色调，是指拍摄的整体影像的色彩成分，偏重于哪种色彩，就是那种色调。色调容易带上情绪色彩。就像中国红，作为中国人情感哲学里的正面色彩。色调又分冷色调和暖色调，红色、橙色、黄色--为暖色调，蓝色--为冷色调，黑色、紫色、绿色、白色为中间色调。
自摄影诞生之日起，科技始终是摄影赖以发展壮大的基础要素，摄影的发展史，是技术和艺术并行发展的历史。其他的艺术形式，则对科技的依赖程度没有这么强烈，例如音乐和美术领域，二胡乐器在唐代已经定型，北宋时已经有了相当高的演奏技巧。在汉代发明纸张以后，画家用毛笔在纸上绘画，才逐渐演变成现在的中国画。
自达盖尔的银版摄影术开始，从湿版到干版，从黑白到彩色，从银盐胶片到数字，从单反到无反，每一次技术上的革新都为摄影家的创作带来了便利和变革。随着软件技术和AI智能计算科技的发展，将来手机的摄影功能更先进和智能，唯一限制的就是拍摄者的想象力。
希望大家能用好手机，拍摄出精彩照片。
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摄影在技术与艺术方面集结点是什么？如何追求让摄影作品呈现出它的灵魂？
1，慢快门，曝光柔和，适用内景人像拍摄，再慢点拍水流，再慢拍车轨，有各种表达
2.自动曝光适用点测光模式，在光比不是很大的情况下可以用
3.用自己掌握的技术去实现一个自己想要表达的境界
4.摄影作品的灵魂在于摄影师自身的灵魂，作品本身只是一个传递工具
摄影发展与艺术的意义
摄影术自发明以来，基本上用在新闻摄影上，也就是实用的领域，大多数的人认为摄影不属于艺术的范畴。直到20世纪初画意摄影的出现，它主要是追求作品的意境和形式，其代表者为奥斯卡・古斯塔夫・雷兰德和亨利・佩奇・罗宾逊。此后各个流派逐渐的发展起来，比如出现了纪实摄影。
1899年，在英国举办了法国印象派绘画的首次展览，由于它的影响，随后出现了印象派摄影。同年摄影家彼得・亨利・爱默生发表了一篇题为《自然主义摄影》的论文，此后自然主义摄影发展起来。
“由于艾尔弗雷德・施蒂格利茨长达半个多世纪的摄影创作实践、美学探索以及坚持不懈的组织推介，一种截然不同与前一个世纪的崭新的摄影观念现代摄影观念，终于在20世纪20年代脱颖而出。”
包括即时摄影，纯粹主义摄影，另外还出现了抽象摄影，达达主义摄影等流派。不仅如此，摄影种类也在发展，出现了各种分类，如广告摄影、人物摄影、风景摄影等等。
以及在摄影构图，摄影用光还有色彩的运用等方面的发展，例如画幅与虚实，前景与背景，色调、线条、光与色彩的表现，还有造型效果这些方面的变化，这些方面的发展使得摄影的艺术气息更加的浓厚，使得摄影逐渐变成了一门技术与艺术相结合的学科。
扩展资料：
现代社会正在不断的发展，人们的审美能力和要求也在日益提高，现在视觉影像正在覆盖社会的每个角落，而作为视觉影像的重要手段，摄影术也在迅速的发展，它在社会生活和发展中发挥着很大的作用。
摄影是技术与艺术的完美结合，其作为一门造型艺术，它是现代生活中不可或缺，且又是富有魅力和潜力的艺术形式，作为一门实用技术，它被广泛的应用于现代生活的各个领域，如科学实验，新闻报到，太空探险等各个方面。
摄影术自发明以来得到了迅速的发展，其中比较重要的一个原因就是摄影家不断的接受现代的意识，在技术与艺术相结合的基础上进行研究创新，研究清楚摄影技术和艺术之间的关系，更加有利于摄影术的发展，所以研究摄影技术与艺术的关系具有一定的理论意义和实际意义。
参考资料来源：
人民网-摄影与现代艺术
摄影技术与摄影艺术的 “根本” 区别
我有摄影技术，没有摄影艺术。
就像一个画家，可能有很好的画法，但它却没有传世之做一样。
艺术是要靠天赋和感悟的，一般不能通过大量重复性试验得以提高。
而技术可以通过重复来提高。
不服不行，有些小P孩第一次拿单反，比我这拍了几年的还要有创意，还要更艺术。
如何读懂艺术摄影？
艺术可以用多种方式多种方式去表达，而恰好摄影是一种表达方式。摄影艺术和绘画艺术在构图方面是不尽相同的。
艺术之所以是艺术，与它所用的材料和工艺之间只有一部分的关系，它的最重要的特点还是在于艺术家从题材中提取基本的视觉美点并以感人的方式再现他们的才能，同理摄影也是这样的，摄影是记录美好生活的一种方式。
相机作为一种工具它可以帮助艺术家创造出某一特定的艺术作品，可以说相机是一种反映使用者思想的灵敏的工具。好的山水树木婀娜多姿的花草总是引人入胜，当我们去拍照时即使聚焦清晰曝光正确但有的时候拍出来的照片依旧缺乏生气。但相反一些不美的自然景色人和不规则的物体却能拍出美的照片。
一张照片之所以漂亮需要我们把内在的想象力和娴熟的技巧结合起来，当然了我们需要一双发现美的眼睛。一张好的照片是既不违背自然形式又高度简化，敢于大胆处理线条.色彩.形状和质感的那些作品。艺术就是汲取这些最本质的视觉美点，使之处于突出地位，剔除那些妨害中心思想的成分，或使之处于次要地位。
我们要善于发现生活中的视觉美点，且在我们的生活中视觉美点有很多，摄影家就是善于从普通的题材中发现这类作品的线条.色调.形状和质感，形成一幅美丽的构图进而形成一张美丽的照片。
有时候照片里的看到的东西难以解释，但许多东西仍然可以弄清楚的。有些摄影者生来就很敏感，在一些无所作为的地方一下子发现奇迹。但一些摄影者需要后天启发才能发现它们。我们中的大多数人要提升对摄影艺术视觉美点的敏感，培养我们的能力进而拍摄出优秀的摄影作品。
摄影是是一项两面性的工作一项艺术也是一项技术，需要我们在实践中不断地打磨锻炼在前方不断前进的路上找到须与自己的路
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