水彩画中枫叶的颜色怎么调-排行榜大全

1、调色不是一定的，因为一片叶子乃至一树叶子在光照情况下产生的明暗，色彩关系是不一样的，在调色的时候，注意物体的固有色、环境色、以及光源变换来配色；

2、枫叶的固有色一般有：朱红色、禇石红、熟褐、玫红色；

3、在一种颜色里加入其他的颜色，要使之能够透出其他的颜色，颜色与颜色要有联系，一幅画里的几种颜色要和谐，就要使每种颜色与其他的颜色有关系。

[水彩画中运用光营造意境浅析]星空枫叶水彩画教程

意境是中国传统美学思想的重要范畴，绘画是通过塑造直观的�具体的艺术形象构成意境，为了克服造型艺术由于瞬间性和静态感而带来的局限，画家往往通过富有启导性和象征性的艺术语言和表现手法显示时间的流程和空间的拓展。水彩画是光色的艺术，且色是光的衍生，在水彩画中应该更好地利用光，在绘画平面上创造自然、绚丽变幻的效果。扩展水彩画技法表现领域，丰富画面的表现效果，增强水彩画的艺术表现力，营造意境空间。在绘画中依据画面的需要，有意识地选择与组合光，通过对这种语言的有效运用从而达到营造意境的目的。

一、设计不同的光源色营造意境

同一物体遇到不同光源将呈现不同的色彩,不同光源的物体必然受其影响而出现不同的色彩,光源色是统一画面色调的重要因素。色调往往给人以鲜明的第一印象，起着关键性作用。色调在情调的渲染和情感的表达方面能够迅速地触及人们的心灵，使人受到感染。

色调的冷暖表达不同的意蕴,画家常会选择不同的色温来作为光线色彩，不同色温的光源色笼罩下的物体也就会呈现出不同的色调，从而使人感觉到不同的情调，如透纳的画是优美的、浪漫的，他一生所致力、追求的是光、雾、蒸汽、太阳、火光、水和反光……这些东西在他的画面上统统交织成甜蜜、美好和幸福的肉身与痛苦深刻的灵魂，运动着组成团块和升腾着的焰火，呈现出近乎抽象画的韵律感。明亮的常常是他描绘光的主色调，如《1834年10月16日国会大厦火灾》，透纳选用橙为光源色，通过其特殊的技法创造出了一个发光体，与天空的淡蓝形成了对比，使欣赏者能强烈地感觉到那熊熊的大火把河面和天空都照亮了。整个画面是绚丽、热烈的。

大自然中光的情态可以说是多姿多彩，随着时辰和季节的转换，光确定了万物的造型色温和气氛。为使景物沐浴在恰当的光线中，必须懂得如何用光创造出特有的情调，并将其传达给观众。光源色的选择是确定画面气氛的重要一环，笔者认为光源色不一定是本色或发光体的效果的准确记录，而是作者根据画面的需要和所要表达的情绪设计好光源色（即确定主色调），这样才能使作品引起观众的共鸣。

二、设计不同强度的光营造意境

按照审美感知选择性的原理，在美的创造特别是艺术美的创造中，将主体的感知稳定地引向对象，使无意注意转化成为有意注意，使无关的感知尽可能被抑制下去，与特定对象有关的感知高度兴奋起来，在大脑皮层的相应区域的优势兴奋中心，从而获得充分的感受。之所以有特写镜头，绘画雕塑之所以有突出部分，舞台之所以采用追光，都是为了调动观众的注意力，引导观众进行选择。

不同强度的光能产生不同强度的对比，通过对比和阴影变化来渲染空间的环境氛围，加强画面的空间感。当空间中光线幽暗或空间处于阴影当中时，处于其中的人会感到空间收缩、紧张和压抑，反之，当空间中光线较强时，处于其中的人会感到舒畅、开敞和放松。如果介入空间的光线是点状和线状的话，那么光影的变化、交织将不仅能够赋予空间层次感，也会使空间变得丰富、活跃甚至具有神秘感。在水彩画中明暗、光影的各种组合就能表现出物与物的距离，人与物的距离。通常人们认为离眼睛越近，其明度越高，背景的东西总是很昏暗的，其实相反，前景既是最暗的也是最亮的。也就是说，光影的强烈对比才把轮廓显示得更分明。反之，背景的光影对比则消失了许多，以至整体消失在明亮的灰色里。强烈的光影对比勾勒出物体的轮廓，这就是“实”，色彩对比减弱，明暗反差较小，这就形成了“虚”，通过虚实的对比营造画面的意境氛围。

明暗虚实对比是艺术创作中常用的手段，通过对视觉心理学的研究，已证实亮部比暗部、饱和色比中性色、暖色块比冷色块更容易吸引人们的目光。在创作中，画家常运用光影对画面进行经营设置，来渲染画面的氛围，使欣赏者产生遐想。光影大师伦勃朗最擅长用强烈的明暗对比方法来渲染画面氛围。如《夜巡》,在画中他运用了聚光的效果突出刻画了两位在说话的军官，其余的人都被安排在中景和后景。把精美的细节和模糊不清的整体有机地结合在一起。画面中形成了强烈的明暗对比，给观众强烈醒目又和谐统一的印象，非常具有戏剧性，构成诗意般的动人境界。水彩画是光的艺术，通过光的运用使画面产生虚实对比，通过对比来营造意境。如透纳的《红色的瑞吉》,表现的是大自然的湖光山色。作者巧妙地运用对比手法，尤其是画面中山与水的交界部分，采用了随意自如的用笔，色彩微妙，远景的天空和云彩处理得灵逸洒脱，大面积的红紫色远山含蓄、朦胧。整个画面大实大虚、大明大暗、大冷大暖，有着朦胧、和谐、梦幻的层次变化。如《格里松山的雪崩》是一幅惊险的画面，雪崩从天而降，势不可挡。画面中心明亮的雪崩与前景被折断了的大树根浓重的暗部形成了强烈的对比，显得鲜明突出，更增加了险境气氛。画家用急速的笔触使崩塌下来的雪块产生动态感，表现了大自然运动的生命和壮丽。又如《夕照》，夕阳投射在江面上的一道光影与前景浓重的桌椅形成一种强烈的视觉对比，让人联想到江畔的黄昏，抒情而惬意。就像诗词里描写的美景一样：“一道残阳铺水中，半江瑟瑟半江红”，传达出无尽的意境美。强烈的光影给人以明快强烈的感觉，而柔和的弱对比则给人以朦胧神秘感。这样的例子还有很多，这都是画家在客观的基础上充分运用了对比的方法对自然的表现。作品的艺术内容决定一定的形式，光影对比强弱的选择应该根据具体内容来确定，对于黄土高原雄壮巍峨的阳刚之美，以实为主的强烈对比画法就比较贴切，而面对江南水乡雨雾的那种朦胧、轻灵秀美时，以虚为主的弱对比则更适合。对光影的设计安排使形式与内容达到了完美统一。

三、设计不同方向的光营造意境

光具有线性特征，方向属性突出。依据画面物象受光方向，一般可以分为顺光、逆光、侧光、顶光、底光、散射光等。顺光，从画面前方入射的光，一般有突出物象或加强纵深的作用；侧光，是从画面侧面入射的光，物象影调明显，若很好地利用侧光光影构建画面，能较理想地表现物象的质感、体积，丰富画面层次，增强空间深度；逆光，从画面后方入射的光，往往置物象大部于阴暗中，同时能较明确清晰地勾勒出物象的线条轮廓；顶光，从画面上方入射的光，物象之投影在下；底光，从画面下方入射的光；散射光是一种较柔和的光，无明确方向性。光源的方向在显现一件物体的外轮廓和形状方面至为重要。改变光源的角度通常会使一件平平常常的东西充满魅力。

在绘画中用光的方向影响着画面的构图和气氛的营造。比如表现日出和日落，有许多画家喜欢用逆光，这样的方式可以使画面产生纵向的景深感。如克劳德・洛兰的作品《港》,帆船优美的线条与古典的建筑在日落余辉下投下长长的影子，与水面的反光相互辉映，呈现出完美的动人画面。侧光使人物或物体的体积感更强，更具有立体效果。如伦勃朗常用强烈的侧顶光来塑造人物，运用侧光在脸部形成的明暗对比来刻画人物的表情与特征。

不同方向的照明可以使阴影的特征不同，阴影对画面氛围的营造极为重要。改变光源的位置或增减光源的强度即刻会对画面的气氛产生极大影响。如胡一川的《开镣》这幅大型油画，人物造型朴素而概括，色彩单纯而热烈，构图严谨而完整，人物的组合关系层次分明。特别是画面洋溢着一种喜悦的气氛，地面上的光源是这幅作品的一大特点。前景左边的解放军战士，手提马灯，从下而上地照亮了地板与人物，特别是画面的中央下方，突出了一个巨大而冰冷的铁镣，它被画家安排在画面的这个位置，是想揭露反动势力的阴冷和残酷。翻身解放本来是一件喜悦和值得庆贺的事情，但狱中革命者的遭遇和所受到的磨难又使人产生悲戚和沉重的感觉。画家所用的光，非常恰当地解决了这个问题。局部的光亮投射在中心人物身上，使画面中暖色调暗示着自由和解放的到来，左侧背景的高墙则渲染了监狱中的恐怖与黑暗。

就水彩画而言,现代意义上的构图是指构组画面的各视觉元素在一定材质平面上的位置�性状。如光落实在画面上时的上下、左右、大小、圆缺、侧正、轻重、亮暗等及其由此衍生出的疏、密、呼应、均衡等形式状态。水彩画对光线的研究基本上是沿着油画研究色彩的道路进行的，即从明暗法到冷暖法，不同方向的光源使画面产生的投影不同，明暗的分布就会不一样，画面的冷暖比例也就不同，那么画面就会形成不同的氛围，或浓重或明亮。如怀斯的作品《女朋友》中光线透过窗户斜照在画中人物的身上，窗棂的影子在人物身上形成有趣的投影，浓重的暗部与处于强光下的人体形成强烈的对比，使画面的人物处于视觉中心，非常具有冲击力。笔者认为这是画家苦心经营的结果，通过对光与影的有序组织，画面的意境得以展现出来。

水彩语言的个性特征是形成作品信息容量的重要因素，也是水彩作品产生艺术魅力和艺术活力的重要原因。水彩是光色艺术，我们可以看到那些优秀的水彩大师对光的运用都有其独到之处，如透纳的绚烂，所以他的画充满动感；怀斯的理智，所以他的画充满了宁静与忧郁。光作为色的媒介，在绘画中准确地运用光，对光进行有意识的设计，作画过程中的随意性就会减少。光具有象征的意义，如生命、光明、理想等等；光可以表现时间：昼、夜、晨、昏。通过对光的设计运用融入作者的理想与观念，可以有效地增强作品的外延。那么融入了作者真挚感情的作品，自然会传达其意境。在水彩画中，光是通过色彩来体现的，对光的设计即是对色彩的选择与搭配。既然说是设计，那么就不是对物象的被动描摹，而是有作者的主观意识的体现。在对光的设计中，作者要考虑光色与光的投射方式、光与影的对比关系、光与影的比例及构图关系，这是对作者观念的全面阐释，这样的作品才有生命力。从对纯自然的光的描绘到具有一定指向性的光的设计，探索光作为一种绘画语言的更强的表现力。正因为如此，选择通过探讨光的设计，改变画面的构成形式以充分表达对意境的追求。在水彩画中对光的设计运用就是为了最大限度地展现时空境象而采取的表现手法，这些手法一方面使画家在意境构成上获得了充分的主动权，打破了特定时空中客观物象的局限，另一方面也给欣赏者提供了广阔的艺术想象的天地，使作品中有限的空间和形象蕴含着无限的大千世界和丰富的思想内涵。

达・芬奇说过：“请看亮光，并思量它的美吧！眨眨眼睛再看它，你就会见到本来并不在那里的东西，而原来在那里的，已不知去向。”光就像魔术师一样创造出意想不到的境界，影子则让这境界出神入化，当尝试着用不同的光影效果去表现同一个主题的时候，会有许多收获，会更深刻领悟到光影在绘画中的分量。

参考文献：

[1]克里斯托夫・欣克水彩画里的色与光[M]董冀平，译，中国青年出版社，1999

[2]艺术概论/中国艺术教育大系[M]文化艺术出版社，2006

[3]李广元色彩艺术学[M]黑龙江美术出版社，2000

[4]保尔・杰克逊水彩画技法光感的表现[M]丁伟，译江苏美术出版社，2002

[5]何政广世界名画家全集：透纳・英国水彩画大师[M]河北教育出版社，2001

作者单位：广东嘉应学院美术学院

（责任编辑：鞠向玲）

怎么用枫叶做一幅画

水彩画是用水彩颜色来表现物体的明暗、立体感和空间感及画面的气氛的。所以我们画水彩画一定要具有色彩学的知识。

我们要研究各种色彩的调配法，首先要懂得各种色彩产生的原因。色彩的种类不下几千种，但一切色彩都是从红、黄、蓝三种最基本颜色混合产生出来的。这二种颜色不能用任何颜色调配出来。我们称它为原色或三原色。

我们将两种原色混合，所产生的颜色称为间色。例如红与黄混合便产生橙，红与蓝混合便产生紫色，黄与蓝混合便产生绿色。两原色混合时，由于用量不相等，产生的间色便有所偏差，如红与蓝混合，红色用量多于蓝色，所产生的紫色偏于红，即紫红色；相反则偏于蓝色，称为紫蓝色。红与黄混合成橙色，如果红的用量多于黄则变成橙红色；如果红的用量少于黄则变成金了。又黄与蓝混合成绿色，如果的用量多于蓝色，结果产生出苹果绿；如果的用量少于蓝色，产生深绿色了。这是大概的情形。

从上面的解说，我们可以了解用色的分量多少不同，便可产生不同的颜色。我们在调色之前一定要小心观察物体的颜色组成及差异，然后才可以调出准确的颜色。

再从三原色的混合来谈。红、黄、蓝用量相等的混合，看来变成一种灰黑色，但是它的变化却比中间色还多。如果红的用量多于黄，黄的用量多于蓝，结果产生猪肝红色。相反的，如果红的用量少于黄，黄的用量又少于蓝却变成橄榄绿色。

如果你能善于掌握色的用量变化，便可以调出许多不同的色彩，使画面的色彩产生很多的变化。

水彩颜色的使用，上面已谈过色的调配，可用两种或两种以上。但还有一种方法是浓淡的区别。不论原色、间色或复色都可用水混合，区别浓淡。例如红色愈淡则接近玫瑰红色，红色越深则接近暗红色。

间色和复色的浓淡，由于本身色彩繁多，加上浓淡的区别就说不尽了，色相也很难用文字来表达，只能从经验感觉来判断。

我们的调色方法有三种：第一种是在调色盒调好色才画至纸上，这种方法较易掌握。第二种是两种颜色在色盒上略为调剂，所谓半生熟色，立即画在纸上，可避免颜色灰暗，失去透明感。第三种方法是让两种颜色借着水作媒介，在纸上互相渗化。这种方法使得颜色鲜艳透明。但较难掌握。

初学水彩的人，在调色时可能出现下面几种缺点：

第一种由于辨别色相的能力未准确，所以在调色时，搅拌时间过长，使颜色在色盒中产生气泡或沉淀，而损害了色彩的透明感。

第二种由于用三种以上的颜色混合在一起，结果也使颜色失去透明感或产生沉淀。

第三种调色用的水，用久了，便会污浊。应换清水，以免20影响颜色的透明感。

在水彩画中关于白色和黑色的应用，有好处也有害处。

白和黑含粉质多，不透明，白色有寒冷感，为了避免浓厚，浑浊，枯燥，灰暗，所以不宜多用。